土耳其作家奥尔罕•帕慕克在哈佛的诺顿演讲集《天真的和感伤的小说家》中，将文学家划分为“天真的”（native，亦作“率性的”）和“伤感的”（sentimentalisch亦作“反思的”）以阐明自己关于小说艺术的理念。“天真的”小说家，与自然相融，率真地写作，几乎不假思索，毫不怀疑其语言和词汇能够彻底地描述并揭示世界的意义；相反，“感伤的”小说家，沉思事物在其身上所产生的印象，关注理性和意义的表达，他们反复倾听自己，不确定其语汇能否涵盖或是抵达真实。
有“天真的”小说家，当然也不乏“天真的”艺术家。“天真”可以是天马行空、无所顾忌、率性而为。当然，完全自由的创作并不存在。“天真的”艺术创作往往徘徊于偶然与必然，随性与控制之间。艺术家贾锋即是为此列。出现在贾锋画面中那些皴擦、点洒、涂鸦的凌乱元素蕴含着精心的运笔——痉挛而密集的笔触和交错生长的线条大胆地在纸张上盘踞，满满的都是创作的爆发力和生命力；斑斓明丽的色层叠加产生了令人惊喜的叙事效果；那些看起来浸润潮湿的渲染以及坦率自在的笔迹，宛如艺术家日记般的絮语……所有的这些创造出了一种肆意的情绪。在贾锋的作品中，你能感受到一种致力于创作本身的专注和沉静，艺术家已经将自己调整到一个自由创作者的位子上，画笔成为了他记录与表达自我最为纯粹和直接的途径。
与此同时，亦存在着另一种面貌的艺术家，他们是感伤的、反思的、自省的，他们一面思索一面创作，匠心颇具且技巧不凡。在艺术家李华的作品中，我们可以清晰地捕捉到这一气质。他以粗犷的笔触和单纯的色彩建立起一个庞大的幻象世界，通过多重空间的并置和共生构建了一场视觉迷宫的游戏，这种超越现实视觉经验的绘画语言似乎营造了某种沧桑沉郁、压抑诡秘的氛围，使观者在被其强烈的力量感所震撼的同时感受到一份，在现实面前，充满伤感、焦虑与孤独的情怀。李华作品所展现的想象力是通过某种控制力来实现的。这种控制力或许可以理解为艺术性的视觉张力，抑或可以理解为叛逆，一种含蓄内敛，不太跋扈的反叛。用简单的语言叙述清晰，由强烈的对比造成视觉冲击，这便是李华作品最为独特的表现力。
帕慕克亦在《天真的和感伤的小说家》中阐明了自己的创作观——理想的小说家既要是“天真的”又要是“感伤的”。艺术家亦如是。在同为80后青年艺术家的贾锋和李华的作品里，我们所感受到的二元同质的东西远远大于他们个体性的差异。尤为鲜明的便是他们作品中弥漫的冲突形态。相互冲突的线构成平面，相互冲突的面构成空间，相互冲突的情感构成思想，相互冲突的思想构成整个意识世界。也许我们并不清楚精神王国的深度和广度，但是通过创作，艺术家或以平静、自然的方式提醒着那些生活中常被忽视的微妙感受；亦或以自省和反思的态度直视这个剧烈变化的物质时代；再或通过坦然接受与如实描述以记录那些互相矛盾的观念和无法解决的悖论。从而他们在面对现实的原态与真实时，能够以最为逼近的视角切入和折射自我的身体及心灵感受。
一件优秀艺术作品中的每一个笔触都会在我们心中激起一种深沉而又真切的感觉，使我们知道存在于这个世界上意味着什么。
正如《天真的和感伤的小说家》封页绘制的双头鸟，向前展望的鸟头象征“天真”，向后回顾的鸟头寓意“感伤”。他们追索着不同的向度，却和谐统一于同一躯体。优秀的艺术家教我们天真又感伤，此在亦不在，相互属于又彼此分离。是为音调相异，然同声相应。
