开幕时间 2016年11月12日, 星期六
上海—藝術門荣幸呈现群展《迷阵》，此次展览意图赋予观者以诠释和感知的自由，在作品、空间、观者之间搭建起不同寻常且极具活力的关系，并暗含一种积极的错置与改变。展览的作品跨越不同媒介，透过作品丰富的内涵及表现方式来鼓励观者参与作品的构建。无论是意义的不确定，还是令人不安的效果，这些作品力图改变惯常的感知方式，在时间与空间的延展中，在艺术家与观者的相遇中开启一段探索之旅。
随之而来的或许是灵犀相通的心有戚戚，亦或是出乎意料的迷失与误解？无论答案为何，亲密与沟通都成为这场体验的题中之意。此次展览意图在智性与视觉的迷阵中描绘当今艺术的叙事风格，并分析艺术所回应的问题和关涉的主旨。观者首先将视线投向作品内外的结构与空间，继而打开与作品的相遇，如此这般的线索贯穿于“迷阵”中的作品，因此也可以说，这次展览同样强调展示方式的关键角色，观者在其中不是被动地观看，而是投入身与心的体验。
展览中的艺术家以其不同凡响的才思让思想得以在作品中相互串联、启发和呼应，在对待艺术和生活，在处理其所关切的主题上，他们的思考各自独具一格，并邀请观者共同跳脱固定的框架。尽管展览作品及其呈现方式大多改变和颠覆了观者原有的理解方式，在此，这些作品仍然或采用再现的方式，或倾向于表现形式上的特色。展览的重点也在于，这些艺术家以观念和形式的不同层面来切入作品的意义：从工作空间展演到自我角色的刻画，从情境的安排到日常的抽象呈现。因此，此次展览探讨了既是公共的又私人化的作品关系，纳入观者于其中——不论是扮演积极的参与者或是不经意的表演者。
对自然与事物进行再现与模仿，以期获得关于世界更深刻的认识，这是艺术经久不断的线索之一。高伟刚（生于1976年）的作品探讨“拟态”（mimesis）的概念，即对现实的逼真模仿，以及它在当代艺术实践中的角色。他将作品的源头从其自然环境中转移到画廊的物理空间，唤起观者的质询、追问和思考——社会化的空间何以存在于建筑与自然的边界，以及作品又如何被体验为探索的场域。在连接可见之物与不可见世界的同时，高伟刚的其他作品则暗示了以隐藏作为反思方式的言外之意。
萨卡琳·克鲁昂（Sakarin Krue-On，生于1965年）作品的日臻成熟部分地源自于他对现代社会中焦虑的持续探究。艺术家沉浸于充满传统图像与民间故事的风景，乐于将其解构并生成超越原本含义的新语境。他的作品中汇集了寓言故事，将具有文化特质的主题以美学方式的连接起来，其中经常可见来自克鲁昂从家乡泰国召唤而来的象征奇象。此次展览中，艺术家将依画廊空间量身定做一面壁画装置，让观者在稍纵即逝的片刻中面对作品意涵的丰厚。这个墙上国度犹如神秘的领域，采用了壁画初始蓝图所用的模版绘法制成，这也显示出艺术家在认识论上对于真相与幻觉的不同观点。
把画廊摇身一变成为李竞雄自己的工作室，观众得以追溯和体验艺术家创作的过程和动作。李竞雄（生于1987年）以多维的方式来设定作品叙事，观者以多重角度观看并介入画廊内的建筑空间。这个灵活的空间给予了创造更多共同经历的可能性。在此空间指的既是身边存在的空间，艺术家创作和实验的空间，又或是透过艺术品一点一滴表露的空间，从亲密的（身体）到人际的（社会），再到物质和机构的（经济、文化），不同层次的空间关系相互独立而变化不一。
MAP OFFICE的作品侧重于观察与再现的技巧及其对地缘政治的影响，并以此为出发点来深入调查人类对于世界的认知。对艺术家而言，制作地图的过程和观念为其精华，与其说地图精准描绘了地域概念，不如说地图呈现了特定时空中的可能性和偏见。在整个展览期间，MAP OFFICE（Laurent Gutierrez，生于1966和Valérie Portefaix，生于1969）將利用绘画工具來绘制一幅完整的地图。这个装置强调过程的互动性，机械手臂如日常仪式般绘出的图画最终构成一幅由242张A4纸组成的地图。同时，此装置也将制作地图的办公室刻画为充满隐匿路线的流动风景，并体现出完美地图无法存在的可能性。
娜布其（生于1984年）的作品藉由堆叠、包裹和排列的方式来塑造和传达日常生活与周遭环境中的趣味。《睫毛》系列与《橘子》的雕塑语言不尽相同：前者的抽象形式与其镜面基座交相呼应，而后者则以黄铜复制和铸造了一排真实的橘子，其展示方式亦与画廊空间相契合。尽管她的作品在内容和空间上自成一体，作品之间的微妙关联仍然暗示着不同价值之间（物质与非物质、珍贵与可有可无）的相互博弈。
孙原与彭禹（分别生于1972年和1974年）的作品以不同的道德态度对待再现（representation），并且倾向于反对艺术自主性和物质性的主流观点。他们的作品提供了体验某个事件和行动的情境，这些情境直指作品的核心。大多时候，他们甚至会构思和设计观者的观看方式，以便目睹已经发生或正在发生的情境。因此，艺术家提供的方法具有批判潜能，其关键在于挑战对社会和沟通的看法，而观众在此体验、反思关于展览的另类价值和惯例。展览的作品指向战术行为中组装和拆解的循环过程，其中蕴含多方面的知识生产和调解，包含他们的工作空间、表演者、指示物，以及暗示其创作环境的道具。在艺术家设定的可能性范围内，观者们获得了自由想像和撷取信息的路径。
在面对绘画时，感官和理智、记忆和历史、意识和科技等不同因素会促使我们重建对画面的感知，这是一个持续的过程，同时也捕捉了那些无法记录的短暂瞬间，而这些瞬间既是当下的也是预设的，是被强化的也是意味深长的。
在谢南星（生于1970年）的绘画中，精确与模糊并行不悖，他的作品并非以图像的再现去触及真相，而是以此来追问观者与绘画主题之间的关系，并寻找这种关系的不同可能性。一般而言，如果是挂在墙上的图像是一幅肖像画，观者通常都能够快速辨别对象，对画面的感知也更为明确；而在此展览中，谢南星的绘画并没有指点任何感知方向，因而观者可以从任何角度来解读，在作品与作品之间穿针引线，在不确定的肖像与真实的故事之间带出新的脉络。
艺术在自身中生成时间的维度，这既包括创作的时间，也包括作品显现于观者所需的时间。周洋明（生于1971年）力图创造一种不能以匆促动作与行为来完成的绘画，其中观者不是被画框所局限，而是同时感受到画面的错觉与阴影，以及无限延伸到画外的空间形式。细致的画面则来自于笔触之间的虚实相生，幻觉总是出现在恰当的时间和机缘。
每位艺术家各自将创作语境、展示方式，以及时间、空间和对话融入作品中，继而与其他作品共同构成此次展览。展览的国度在画廊的入口处、在观者踏入画廊之前便已经开始。这个展览在形态上具有自我构建的特征，作品被重新置放，观者在时空的关联中阅读作品，思索其他可能的途径。
